Comment penser comme un musicien quand on fait de la musique

En formation Logic Pro (perfectionnement), j’évoque régulièrement le travail remarquable de Tom Frampton :

• La qualité de ses plug-ins MasteringTheMix
• La qualité pédagogique de ses articles de blog

Voici donc l’article “Comment penser comme un musicien quand on fait de la musique” de Tom Frampton du site MasteringTheMix, traduit en Français par mes soins !

Introduction

Si vous ne savez pas jouer d’un instrument de musique avec aisance, et que vous souhaitez imiter une performance professionnelle authentique, notamment dans le cadre de la composition en Home Studio, alors cet article est fait pour vous !

De nombreux producteurs de musique :

• Ne jouent pas d’un instrument, c’est un fait !
• Savent peut-être se servir d’un clavier et ont une idée de ce qui sonne bien, mais sont incapables de réaliser une performance musicale sur commande.

Bien que cela ne doive pas vous freiner, cela peut vous désavantager de manière évidente lorsqu’il s’agit de programmer un instrument par rapport à un expert.

Vous ne le savez peut-être pas, mais je suis titulaire d’un diplôme de première classe en batterie et j’ai joué dans des groupes en chantant et en jouant de la guitare. Je le mentionne car cela a eu un impact considérable sur ma façon de vivre la musique et d’aborder le mastering d’une manière musicale.

Je souhaite donc dans cet article lever le voile sur certaines idées qui, selon moi, peuvent donner aux musiciens un avantage sur les non-musiciens. J’espère que vous pourrez utiliser ces idées pour rendre vos morceaux plus authentiques et plus musicaux.

Imiter le style de jeu d’un musicien

L’importance des pistes de référence

Si vous programmez de la batterie, de la basse, du piano ou tout autre instrument, écoutez de grandes performances et voyez quelles idées et approches tangibles vous pouvez en tirer.

Les gens pensent que les pistes de référence ne servent qu’au mixage et au mastering, ce qui n’est absolument pas le cas. Les pistes de référence peuvent être extrêmement utiles lors du choix des échantillons, des sons de synthétiseurs et également lors de la programmation des performances. En fait, elles facilitent grandement le mixage et le mastering par la suite.

Essayez ceci avec votre prochaine production :

Lancez vos pistes de référence dès le début du processus

• À ce stade, il n’est pas nécessaire qu’elles soient une représentation sonore rigide du son que vous recherchez.
• Concentrez-vous sur la recherche d’une piste qui reflète brillamment l’ambiance que vous recherchez.

À cette étape de la production, votre morceau se limitera à l’essentiel :

• Sans aucun traitement, alors que toute piste de référence sera un mixage et un master complets.
• Cela peut rendre la comparaison difficile, car la dynamique et la densité des productions seront très différentes.
• Il est donc d’autant plus important de faire correspondre avec précision le niveau de votre piste de référence et celui de votre production. Notre plugin REFERENCE le fait automatiquement pour vous et le met à jour en temps réel pour que la comparaison soit toujours juste.

Si vous sautez cette étape, vous risquez de succomber au préjugé selon lequel :

• “plus c’est fort, mieux c’est”. Un son plus fort est plus riche dans les graves et plus clair dans les aigus.
• Si votre piste est plus calme, vous pouvez penser qu’il est nécessaire d’ajouter un renforcement des basses et des hautes fréquences… Mais ces mesures risquent de ruiner votre source audio. Tant que vous n’avez pas procédé à la comparaison des niveaux, il est impossible de le savoir. Respectez donc votre temps et procédez à une comparaison de niveau dès le début.

Au cours de votre analyse, concentrez-vous sur les nuances des différentes performances musicales.

Prêtez attention aux détails. De petits détails comme le timing, le phrasé et les accents peuvent faire une grande différence dans l’authenticité d’une production, tout comme ils le font dans la performance d’un musicien.

Comprendre la structure, le volume et l’articulation d’une performance :

Comment penser comme un musicien quand on fait de la musique ?

Comprendre comment un musicien utilise la structure, le volume et l’articulation peut vous aider à créer des productions plus authentiques et plus expressives.

La musique :

• Emmène l’auditeur dans un voyage
• Fait monter le suspense
• Le libère au bon moment pour une satisfaction maximale. (Vous ne voulez à priori pas que votre performance musicale devienne immédiatement virtuose)

Un exemple simple : La plupart des refrains ont des voix plus aiguës et plus fortes que le couplet, car elles sont plus excitantes.

Quelques idées simples :

• Réchauffez votre auditeur
• Faites-le patienter
• Puis lancez-lui les bonnes choses au bon moment.
• Utilisez les silences pour briser vos mélodies et vos rythmes… Le trompettiste Miles Davis, l’un des plus grands musiciens de jazz de tous les temps, a déclaré : “Ce ne sont pas les notes que vous jouez, ce sont les notes que vous ne jouez pas”. Cette sagesse s’applique à tous les instruments et à tous les genres musicaux. Gardez-la à l’esprit et vous vous apercevrez que vous écrivez une musique plus intéressante et plus crédible.

Compléter les autres instruments :

Tous les éléments de votre chanson doivent fonctionner harmonieusement.

Lorsque vous programmez un instrument, pensez :

• Au style
• À l’ambiance
• À la complexité
• À la tonalité des autres instruments

Lorsque le chanteur entre en scène, les autres instruments ne lui font pas concurrence, ils le soutiennent. Il serait inapproprié qu’un solo de batterie prenne le pas sur l’e passage émotionnel’émotion de la chanteuse, par exemple. Vous pouvez utiliser le tableau ci-dessous pour vous aider à identifier les instruments qui complèteront votre arrangement.

Par exemple, disons que vous avez commencé avec :

• Un piano dont les fréquences sont concentrées dans les hauts médiums
• Un rythme de base
• Un timbre chaud
• Une énergie décontractée
• Une largeur stéréo principalement centrée
• Un volume moyen (ces attributs sont surlignés en bleu sur le graphique ci-dessous).

Pour compléter votre piano, vous pouvez choisir d’ajouter un élément qui n’entre pas en conflit avec la majorité de ces caractéristiques.

• Vous pourriez choisir une basse dont les fréquences sont concentrées dans les graves
• Un rythme complexe
• Un timbre sombre
• Une énergie entraînante
• Une largeur stéréo mono
• Un volume moyen (ces attributs sont surlignés en vert sur le graphique ci-dessous).

Si vous avez plusieurs éléments dans votre mix qui sont très similaires dans les 6 catégories, votre musique sonnera forcément “chargée”.

Comment penser comme un bassiste ?

Si vous programmez une ligne de basse, écoutez quelques morceaux sur lesquels un bassiste génial a posé des idées cool et uniques. Pino Palladino est considéré comme l’un des meilleurs bassistes de notre époque, si vous vous demandez qui étudier, commencez par lui.

Le rôle du bassiste est de donner le ton fondamental du morceau. Il joue souvent la note de base des accords avec des embellissements occasionnels.

Si les lignes mélodiques des autres instruments sont relativement complexes, votre ligne de basse peut être plus simple en comparaison. Des lignes mélodiques plus sobres ou une simple progression d’accords se prêtent mieux à une ligne de basse plus chargée.

Comment penser comme un batteur ?

La création d’un groove est l’une des parties les plus gratifiantes de la création d’une chanson. Vous commencez à saisir l’énergie et le dynamisme de votre chanson, ce qui vous aide à façonner la manière dont la production évoluera vers le chef-d’œuvre fini.

Le batteur a une multitude de choix à faire pour accompagner les autres éléments musicaux. Voici quelques questions qu’il faudra vous poser pour trouver le rythme adéquat :

• Le style de jeu doit-il être agressif ou doux ?
• Quel est le “drum fill” approprié et savoureux pour introduire le refrain ?
• Quelle division des notes (noires, croches, seizièmes) convient le mieux et la syncope (lorsque vous accentuez ou mettez en valeur les contretemps) fonctionnera-t-elle bien ou sera-t-elle gênante ?

La liste des possibilités est longue et, dans la plupart des cas, vous pouvez vous fier à votre instinct et à ce que vous avez entendu dans le passé pour obtenir un bon point de départ.

Avec les logiciels modernes, les boucles et les packs d’échantillons, vous pouvez créer un rythme très rapidement. Mais une boucle jouant tout au long de la piste sonnera de manière peu naturelle et monotone.

Plutôt que de vous reposer sur des boucles, pensez à :

• Faire évoluer les cymbales utilisées
• Faire évoluer des charlestons dans le couplet
• Aux charlestons ouvertes dans le pré-chœur
• Et aux crashes ou à une ride pour le refrain
• De même, l’évolution du son de la caisse claire tout au long de la piste donne à celle-ci une gamme dynamique plus excitante.
• Un amortissement, un backbeat moins agressif ou même un son de cross stick peuvent convenir pour le couplet, la caisse claire montant en puissance pour un rim-shot complet au moment du refrain. La caisse claire donne l’ambiance de la chanson, il est donc important de bien faire les choses !

Pour améliorer votre programmation de batterie, inspirez-vous de quelques idées de grands batteurs (ou de batteries bien programmées). Steve Gadd est considéré comme l’un des meilleurs batteurs de tous les temps. Regardez quelques vidéos de lui sur YouTube et voyez s’il y a quelque chose que vous pourriez intégrer dans l’une de vos chansons.

Comment penser comme un Pianiste ?

Le piano est un instrument complexe, c’est pourquoi je vais me concentrer sur la seule technique qui vous permettra d’améliorer votre programmation pianistique : les renversements.

Parfois, vous avez l’impression que vos accords font trop de sauts d’un accord à l’autre. Cela peut rendre votre progression saccadée et donner à votre morceau une impression de maladresse et de manque de musicalité.

• L’utilisation des “inversions” consiste à changer l’octave de certaines notes d’un accord pour que les sauts de notes soient aussi proches que possible.
• S’il existe des “notes communes” entre deux accords, essayez de les faire correspondre à la même octave. N’oubliez pas de vérifier la relation entre le premier et le dernier accord de la progression.

Voici un exemple de la manière dont vous pouvez améliorer le flux d’une progression d’accords i / III / IV / VII dans le mode dorien en utilisant les renversements.

Progression en ré dorien construite à partir de degrés d’accords. Elle semble saccadée et manque de fluidité.

Même progression en ré dorien avec les notes transposées pour une meilleure fluidité.

La programmation midi

La fonction de quantification permet de gagner beaucoup de temps lorsqu’il s’agit de faire de la musique, mais une quantification trop poussée privera votre musique de toute émotion.

Les êtres humains ne jouent pas d’un instrument ou ne chantent pas parfaitement en rythme

Il leur est donc plus difficile de s’identifier à une musique qui présente ces caractéristiques robotiques. Une fois que vous avez programmé une partie midi dans votre DAW, vous pouvez la manipuler pour obtenir une performance bien rythmée et organique :

• Dans la plupart des logiciels d’enregistrement, vous pouvez régler le pourcentage de quantification. Ainsi, au lieu de faire en sorte que tout soit parfaitement calé sur le rythme, vous pouvez quantifier à 70-80 % pour que les choses restent un peu plus libres. Écoutez comment cela sonne dans le contexte de l’ensemble de votre mixage et vous pouvez quantifier les notes individuelles qui sont trop lâches à 90-100 %.
• La vélocité des notes midi est également très importante. Lorsqu’un pianiste joue du piano, ses doigts n’appuient pas sur chaque touche avec la même pression. Les doigts ne se posent pas et ne se soulèvent pas des touches en même temps non plus.
• Ajoutez de la vélocité et des variations de longueur de note entre les notes de vos progressions d’accords pour imiter la performance d’un pianiste. Cela peut faire toute la différence.

L’affirmation selon laquelle une performance musicale a un effet émotionnel plus important qu’une performance statique a été scientifiquement prouvée et publiée dans un article intitulé “Dynamic Emotional and Neural Responses to Music Depend on Performance Expression and Listener Experience” (Les réponses émotionnelles et neuronales dynamiques à la musique dépendent de l’expression de la performance et de l’expérience de l’auditeur).

29 personnes ont été analysées à l’aide de la technologie IRMf (imagerie par résonance magnétique fonctionnelle) et d’examens écrits alors qu’elles écoutaient deux versions différentes de l’étude en mi majeur, op.10, n° 3 de Frédéric Chopin. L’une des versions était jouée de manière expressive par un pianiste talentueux, l’autre avait la longueur de note réglée et quantifiée pour correspondre exactement à la notation musicale originale. La vélocité a également été fixée à un niveau constant tout au long de la performance. Voici un extrait des conclusions de cette étude.

“Ces résultats prouvent que la dynamique temporelle d’une performance rythmique expressive augmente les activations neuronales liées à l’émotion, et que les auditeurs musicalement expérimentés sont plus sensibles à cet égard.

Source : Chapin H, Jantzen K, Scott Kelso JA, Steinberg F, Large E (2010) Dynamic Emotional and Neural Responses to Music Depend on Performance Expression and Listener Experience. PLoS ONE 5(12) : e13812. https://doi.org/10.1371/journal.pone.0013812

Conclusion

Il est peu probable que vous soyez un expert de chaque instrument, et ce n’est pas grave !

L’utilisation des approches présentées dans cet article de blog devrait vous aider à créer de meilleures interprétations qui permettront à votre musique de sonner de manière plus authentique.

Continuez à vous référer et à apprendre des meilleures interprétations !